Freddie Hubbard • Rollin'

 

Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan y, a principios de los años 70, era inmediatamente inconfundible y el referente del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), formó parte del clásico álbum de Oliver Nelson Blues and the Abstract Truth (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Trompetista ardiente con un bello tono de flügelhorn, Hubbard se desenvolvía bien en ambientes más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en los años 80, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus cotas anteriores (aunque gran parte del mundo del jazz le había abandonado). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no se presentaba a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que le dejó hospitalizado hasta su muerte a la edad de 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard todavía pueden disfrutar sin duda de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

Freddie Hubbard • Super Blue

 

 

Biography by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326#biography

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Biografía de Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan, y a principios de los 70 se distinguió de inmediato y marcó el ritmo del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente adecuado para el papel de maestro veterano, sus habilidades comenzaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó temprano con Wes y Monk Montgomery. Se mudó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J. J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en Free Jazz de Ornette Coleman (1960) , estuvo en el álbum Classic Blues and the Abstract Truth de Oliver Nelson (destacado por "Stolen Moments") y comenzó a grabar como líder de Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con los Jazz Messengers de Art Blakey (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock, y, después de un período con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en ese momento generalmente presentaba al altoista James Spaulding. Un trompetista ardiente con un hermoso tono en flügelhorn, a Hubbard le fue bien en entornos más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista de hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. El seguimiento, First Light (1971), fue en realidad su cita más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto en equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con V. S. O. P. acústico de Herbie Hancock. Quinteto y, en la década de 1980, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus alturas anteriores (incluso si gran parte del mundo del jazz se había dado por vencido con él). Pero a fines de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y la creciente falta de confiabilidad (no presentarse a los conciertos) comenzaron a lastimarlo realmente, y unos años más tarde, su una vez poderosa técnica comenzó a fallar seriamente. A fines de 2008, Hubbard sufrió un ataque cardíaco que lo dejó hospitalizado hasta su muerte a los 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fanáticos de Freddie Hubbard aún pueden disfrutar de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo y sus primeros sets de Music Masters.
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VA • High Fidelity Jazzː Deep Soul Jazz

 

Grant Green, Bennie Green, Horace Silver, Hank Mobley, Blue Mitchell, Lou Donaldson, Jimmy Smith, Stanley Turrentine, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Wayne Shorter, Dr. Lonnie Smith …

VA • Jazz Districtː Best Of CTI

 

 

 

Joe Farrell, Gabor Szabo, Randy Weston, Hubert Laws, Freddie Hubbard, Don Sebesky, Chet Baker, Johnny 'Hammond' Smith, Kenny Burrell, Airto Moreira, Paul Desmond, Lalo Schifrin, George Benson …

 

John Coltrane • Bahia

 

 When looking at the sheer amount of work an artist the magnitude of John Coltrane left behind, it’s inevitable that many phenomenal albums will get lost in the shuffle. It’s not because they are bad, quite the contrary. This happens to any artist with an extensive catalog. Everyone knows ‘A Love Supreme’, ‘Blue Train’, ‘My Favorite Things’ and ‘Giant Steps’. As wonderful as those albums are, we have to remember that Coltrane recorded over 100 albums as a leader and as a sideman. That’s a lot of music.
There is a depth of musicality that many people really don’t appreciate fully when it comes to Coltrane. To fully appreciate and see the evolution of Coltrane’s playing through the years, you have to get familiar with his work. All of it. He didn’t just arrive at ‘A Love Supreme’. When you start listening to his older output, you can clearly hear the progression in his playing. The gradual shift from hard bop to a more adventurous, and even ethereal style of playing.
The beginning of the shift can be clearly heard on his album ‘Bahia‘, which was recorded in 1958. Bahia is a state in Brazil. Most of the slaves captured from West Africa by Europeans were sent to Brazil, almost 40% of them. Most of them were processed through Bahia. Culturally, Bahia still retains an amalgamation of many African cultures and traditions; from music, to deities, to food and Capoeira. The city of Salvador in Bahia in particular, has the highest percentage of Afro-Brazilians in all of Brazil. Most of the people in Salvador have African ancestry, and to be more precise, many of them have Yoruba ancestry. The Yoruba are one of the major ethnic groups in present day Nigeria. It should be noted that it was also around this time that Coltrane became a close friend to Babatunde Olatunji, a now equally legendary Yoruba Nigerian drummer. Coltrane dedicated his song “Tunji” on his Coltrane LP to him. The last live recording of Coltrane performing before he died, was at the Olatunji Center of African Culture in Harlem.
Bahia was the beginning of a more musically adventurous and globally conscious Coltrane. Plotting the timeline of Trane shows that the transition to full blown avant-garde and free jazz in his later years was at least a decade in the making. It was not spontaneous, like many people make it out to be. He didn’t just wake up one day deciding to play avant-garde.
Joining him on the Bahia session was Mr. PC himself, Paul Chambers on bass, Red Garland on piano, Jimmy Cobb and Art Taylor on drums, Wilbur Harden on flugelhorn and trumpet, and a very young Freddie Hubbard playing trumpet on the song, ‘Something I dreamed last night’. Hubbard was only 20 years old when they recorded this date.
Bahia might not be a popular Coltrane album, but it is still essential. It’s a synopsis of Trane about to open the floodgates of his deeply spiritual and ethereal playing of the future. The title track & ‘Goldsboro Express’ alone make it worth the cost of admission. It’s amazing!

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 Al contemplar la ingente cantidad de obra que dejó tras de sí un artista de la magnitud de John Coltrane, es inevitable que muchos álbumes fenomenales se pierdan en el olvido. No es porque sean malos, al contrario. Esto le ocurre a cualquier artista con un catálogo extenso. Todo el mundo conoce "A Love Supreme", "Blue Train", "My Favorite Things" y "Giant Steps". Por maravillosos que sean esos discos, hay que recordar que Coltrane grabó más de 100 álbumes como líder y como sideman. Eso es mucha música.
Hay una profundidad de musicalidad que mucha gente no aprecia del todo cuando se trata de Coltrane. Para apreciar y ver la evolución de la forma de tocar de Coltrane a lo largo de los años, hay que familiarizarse con su obra. Toda su obra. No llegó solo a "A Love Supreme". Cuando se empieza a escuchar su producción más antigua, se percibe claramente la progresión de su forma de tocar. El cambio gradual del hard bop a un estilo más aventurero e incluso etéreo.
El comienzo de este cambio se percibe claramente en su álbum "Bahia", grabado en 1958. Bahía es un estado de Brasil. La mayoría de los esclavos capturados en África Occidental por los europeos fueron enviados a Brasil, casi el 40% de ellos. La mayoría pasaron por Bahía. Culturalmente, Bahía aún conserva una amalgama de muchas culturas y tradiciones africanas; desde la música, a las deidades, pasando por la comida y la capoeira. La ciudad de Salvador de Bahía, en particular, tiene el mayor porcentaje de afrobrasileños de todo Brasil. La mayoría de los habitantes de Salvador tienen ascendencia africana, y para ser más precisos, muchos de ellos tienen ascendencia yoruba. Los yoruba son uno de los principales grupos étnicos de la actual Nigeria. Cabe señalar que fue también por esta época cuando Coltrane se hizo amigo íntimo de Babatunde Olatunji, un batería nigeriano yoruba ahora igualmente legendario. Coltrane le dedicó su canción "Tunji" en su LP Coltrane. La última grabación en directo de Coltrane antes de morir fue en el Olatunji Center of African Culture de Harlem.
Bahia fue el comienzo de un Coltrane más aventurero musicalmente y con mayor conciencia global. Si trazamos la cronología de Trane, veremos que la transición a la vanguardia y el free jazz en sus últimos años se gestó durante al menos una década. No fue algo espontáneo, como muchos pretenden. No se levantó un día y decidió tocar música de vanguardia.
En la sesión de Bahia le acompañaban el propio Mr. PC, Paul Chambers al bajo, Red Garland al piano, Jimmy Cobb y Art Taylor a la batería, Wilbur Harden al fliscorno y la trompeta, y un jovencísimo Freddie Hubbard tocando la trompeta en la canción "Something I dreamed last night". Hubbard sólo tenía 20 años cuando grabaron esta fecha.
Puede que Bahia no sea un álbum popular de Coltrane, pero sigue siendo esencial. Es una sinopsis de Trane a punto de abrir las compuertas de su forma de tocar profundamente espiritual y etérea del futuro. Sólo por el tema que da título al disco y por "Goldsboro Express" ya merece la pena pagar la entrada. Es increíble.

www.johncoltrane.com ...

VA • 1960s Jazz

 John Coltrane, Ornette Coleman, Ray Charles, Milt Jackson, Modern Jazz Quartet, Elvin Jones, Charles Mingus, Art Farmer, Rahsaan Roland Kirk, Yusef Lateef, Freddie Hubbard, Mose Allison, Brother Jack McDuff, Leo Wright ...

 

 

 

 

Jackie McLean • Bluesnik

 

Review
by Scott Yanow
Bluesnik, Jackie McLean's seventh session as a leader for Blue Note Records, was one of only two recordings issued by McLean in 1961. With a lineup of trumpeter Freddie Hubbard, bassist Doug Watkins, pianist Kenny Drew, and drummer Pete La Roca, McLean laid down a hard blowing session of six tunes based completely on blues motifs. Many critics -- as well as jazz fans -- hold to the opinion that Bluesnik may be McLean's most accessible session for the label. That said, not all of these tunes are blues numbers strictly speaking. They use blues forms, but don't all fall into the conventional 12-bar structure, and therefore even move hard bop paradigms a bit. The title track opening the set is a prime example of this given that it quotes the theme in 12-bar but moves through a knotty ten-bar sequence before roaring into a furious but fluid cut time structure that allows for a maximum "stretching" of the changes by Drew. Drew's "Cool Green," screws around with the 12-bar in the melody, but given the introductory statements made before each line and in the solo breaks, it too pushes the standard blues architecture. There are the great moments in blues here that helped to establish McLean as a giant, such as "Drew's Blues," and the lovely "Torchin'," that closes the set. Hubbard's role here is relatively minor in that he had not yet established himself as a leader and he was still growing into his choppy, taut method of soloing. The swing factor of the rhythm section is undeniable, especially the interaction between Drew and La Roca. In all, this is a monster session effortlessly performed by a soloist at an early peak with a supporting cast of blazing sidemen.
https://www.allmusic.com/album/bluesnik-mw0000200034

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Reseña
por Scott Yanow
Bluesnik, la séptima sesión de Jackie McLean como líder para Blue Note Records, fue una de las dos únicas grabaciones publicadas por McLean en 1961. Con una formación compuesta por el trompetista Freddie Hubbard, el bajista Doug Watkins, el pianista Kenny Drew y el baterista Pete La Roca, McLean realizó una sesión de seis temas basados completamente en motivos de blues. Muchos críticos, así como los aficionados al jazz, opinan que Bluesnik puede ser la sesión más accesible de McLean para el sello. Dicho esto, no todas estas melodías son números de blues estrictamente hablando. Utilizan formas de blues, pero no todas caen en la estructura convencional de 12 compases, y por lo tanto incluso mueven un poco los paradigmas del hard bop. El tema que abre el conjunto es un excelente ejemplo de ello, dado que cita el tema en 12 compases, pero se mueve a través de una nudosa secuencia de diez compases antes de rugir en una furiosa pero fluida estructura de tiempo de corte que permite un máximo "estiramiento" de los cambios por parte de Drew. Cool Green" de Drew, da vueltas al compás de 12 barras en la melodía, pero dadas las declaraciones introductorias hechas antes de cada línea y en las pausas del solo, también empuja la arquitectura estándar del blues. Hay grandes momentos de blues aquí que ayudaron a establecer a McLean como un gigante, como "Drew's Blues", y la encantadora "Torchin'", que cierra el conjunto. El papel de Hubbard aquí es relativamente menor en el sentido de que aún no se había establecido como líder y todavía estaba creciendo en su método de solista entrecortado y tenso. El factor swing de la sección rítmica es innegable, especialmente la interacción entre Drew y La Roca. En definitiva, se trata de una sesión monstruosa, interpretada sin esfuerzo por un solista en su mejor momento, con un elenco de acompañantes de lujo.
https://www.allmusic.com/album/bluesnik-mw0000200034

Art Blakey & The Jazz Messengers • Ugetsu

 

Ugetsu, a 1963 live set from the original Birdland, finds Art Blakey & His Jazz Messengers at the peak of their powers with one of their strongest lineups. The group primarily recorded sessions for Alfred Lion's Blue Note label, but this Riverside date is as strong as any of their previous outings. Having acquired the services of trombonist Curtis Fuller in 1961, the Messengers' front line was its most robust ever, with Wayne Shorter and Freddie Hubbard consistently turning in some of their best performances. Rounding out the rhythm section with Blakey are the equally powerful Reggie Workman and Cedar Walton. The Messengers' set list finds the majority of tunes written by musical director Wayne Shorter, as well as a few choice numbers from Curtis Fuller and Cedar Walton's title cut. The group is spurred on by a very receptive crowd, tempos and solos are spirited for the most part, and Blakey seems exceptionally energetic despite not performing a single extended solo himself. His between-song banter is equally entertaining. Overall, the group is precise, expressive, and swinging hard, delivering its message from the grandest platform of the time.
https://www.jazzmessengers.com/es/61428/art-blakey/ugetsu

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Ugetsu, una grabación en directo de 1963 en el Birdland original, muestra a Art Blakey & His Jazz Messengers en la cima de su carrera con una de sus formaciones más sólidas. El grupo grabó principalmente sesiones para el sello Blue Note de Alfred Lion, pero esta fecha de Riverside es tan sólida como cualquiera de sus grabaciones anteriores. Habiendo adquirido los servicios del trombonista Curtis Fuller en 1961, la primera línea de los Messengers era la más robusta de su historia, con Wayne Shorter y Freddie Hubbard realizando constantemente algunas de sus mejores actuaciones. Completan la sección rítmica con Blakey los igualmente poderosos Reggie Workman y Cedar Walton. El repertorio de The Messengers contiene la mayoría de temas escritos por el director musical Wayne Shorter, así como algunos de Curtis Fuller y Cedar Walton. El grupo está animado por un público muy receptivo, los tempos y los solos son enérgicos en su mayor parte, y Blakey parece excepcionalmente enérgico a pesar de no interpretar ni un solo extenso. Sus bromas entre canciones son igualmente entretenidas. En general, el grupo es preciso, expresivo y se mueve con fuerza, transmitiendo su mensaje desde la plataforma más grandiosa de la época.
https://www.jazzmessengers.com/es/61428/art-blakey/ugetsu

artblakey.com ...

John Coltrane • Olé Coltrane

  

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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Wayne Shorter • The All Seeing Eye

 

Review
by Scott Yanow
With such titles as "The All Seeing Eye," "Genesis," "Chaos," "Face of the Deep," and "Mephistopheles," it is clear from the start that the music on this LP is not basic bop and blues. Wayne Shorter (who composed four of the five originals) picked an all-star cast (trumpeter Freddie Hubbard, altoist James Spaulding, trombonist Grachan Moncur III, pianist Herbie Hancock, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers, along with brother Alan Shorter on flügelhorn for the final song) to perform and interpret the dramatic selections, and their brand of controlled freedom has plenty of subtle surprises. This is stimulating music that still sounds fresh.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

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Reseña
por Scott Yanow
Con títulos como "The All Seeing Eye", "Genesis", "Chaos", "Face of the Deep" y "Mephistopheles", queda claro desde el principio que la música de este LP no es bop y blues básico. Wayne Shorter (que compuso cuatro de los cinco originales) eligió a un elenco de estrellas (el trompetista Freddie Hubbard, el contralto James Spaulding, el trombonista Grachan Moncur III, el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el batería Joe Chambers, junto con su hermano Alan Shorter al flügelhorn en la última canción) para interpretar las dramáticas selecciones, y su estilo de libertad controlada tiene muchas sorpresas sutiles. Es música estimulante que sigue sonando fresca.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

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Dexter Gordon • Clubhouse

 

Review by Scott Yanow
Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

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Reseña de Scott Yanow
Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

Herbie Hancock • Takin' Off

 

Review by Steve Huey
Herbie Hancock's debut as a leader, Takin' Off, revealed a composer and pianist able to balance sophistication and accessibility, somewhat in the vein of Blue Note's prototype hard bopper Horace Silver. Yet while Hancock could be just as funky and blues-rooted as Silver, their overall styles diverged in several ways: Hancock was lighter and more cerebral, a bit more adventurous in his harmonies, and more apt to break his solos out of a groove (instead of using them to create one). So even if, in retrospect, Takin' Off is among Hancock's most conventional albums, it shows a young stylist already strikingly mature for his age, and one who can interpret established forms with spirit and imagination. Case in point: the simple, catchy "Watermelon Man," which became a Hancock signature tune and a jazz standard in the wake of a hit cover by Latin jazz star Mongo Santamaria. Hancock's original version is classic Blue Note hard bop: spare, funky piano riffing and tight, focused solo statements. The other compositions are memorable and well-constructed too (if not quite hit material); all have their moments, but particular highlights include the ruminative ballad "Alone and I," the minor-key "The Maze" (which features a little bit of free improvisation in the rhythm section), and the bluesy "Empty Pockets." The backing group includes then up-and-coming trumpeter Freddie Hubbard, tenor saxophonist Dexter Gordon, bassist Butch Warren, and drummer Billy Higgins. All in all, Takin' Off is an exceptional first effort, laying the groundwork for Hancock to begin pushing the boundaries of hard bop on his next several records.
https://www.allmusic.com/album/takin-off-mw0000191931
https://www.herbiehancock.com/biography-full-page/

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Reseña de Steve Huey
El debut de Herbie Hancock como líder, Takin ' Off, reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, algo en la línea del prototipo de hard bopper de Blue Note, Horace Silver. Sin embargo, aunque Hancock podía ser tan funky y con raíces en el blues como Silver, sus estilos generales divergían de varias maneras: Hancock era más ligero y cerebral, un poco más aventurero en sus armonías y más propenso a romper sus solos con un ritmo (en lugar de usarlos para crear uno). Entonces, incluso si, en retrospectiva, Takin ' Off se encuentra entre los álbumes más convencionales de Hancock, muestra a un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad, y uno que puede interpretar las formas establecidas con espíritu e imaginación. Caso en cuestión: el simple y pegadizo "Watermelon Man", que se convirtió en una melodía característica de Hancock y un estándar de jazz a raíz de una exitosa versión de la estrella del jazz latino Mongo Santamaría. La versión original de Hancock es el clásico hard bop de Blue Note: riffs de piano sueltos y funky y declaraciones solistas ajustadas y enfocadas. Las otras composiciones también son memorables y están bien construidas( si no son un material muy exitoso); todos tienen sus momentos, pero los aspectos más destacados incluyen la balada rumiosa "Alone and I", la tonalidad menor "The Maze" (que presenta un poco de improvisación libre en la sección rítmica) y el blues " Empty Pockets."El grupo de apoyo incluye al entonces prometedor trompetista Freddie Hubbard, el saxofonista tenor Dexter Gordon, el bajista Butch Warren y el baterista Billy Higgins. Con todo, Takin ' Off es un primer esfuerzo excepcional, sentando las bases para que Hancock comience a superar los límites del hard bop en sus próximos discos.
https://www.allmusic.com/album/takin-off-mw0000191931
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VA • Free Jazz Classics

 

 

 

John Coltrane, Charles Mingus, Charlie Parker, Ornette Coleman, Clifford Brown, Art Blakey, Charles Lloyd, Modern Jazz Quartet, Joshua Redman, Herbie Mann, Freddie Hubbard, Jaco Pastorius, Ahmad Jamal …

 

Freddie Hubbard • First Light

 

 

Review by Thom Jurek
Never one to take lyricism for granted, trumpeter and composer Freddie Hubbard entered Creed Taylor's studio for the third time in 1971 with the express purpose of making a record radically different from anything he'd cut before; he was looking for it to use electricity and to be out of the soul-jazz mold, but was also more ambitious and wanted to push that envelope and himself. Taylor and Hubbard assembled a band that included Herbie Hancock on Rhodes, guitarists Eric Gale and George Benson, bassist Ron Carter, Jack DeJohnette on drums, Airto Moreira on percussion, and Richard Wyands on acoustic piano to back him. The band was also supported by the truly ethereal and adventurous string arrangements of Don Sebesky (a first for Hubbard). The result is a masterpiece of textured sound, gorgeously far-flung charts, sweet, tight grooves, a subtle mystic feel, and some of Hubbard's most exciting playing ever. The title track and Hubbard's ingenious read of Paul and Linda McCartney's "Uncle Albert/ Admiral Halsey," as well as Leonard Bernstein's "Lonely Town," are so in the pocket that they bleed soul. Benson's uncharacteristically edgy guitar playing juxtaposed against Hubbard's warm tone, and Hancock's beautifully modal Rhodes lines that are drenched with big, open, minor chord voicings, are simply made more illustrious and graceful by Sebesky's strings. While Red Clay and Straight Life are both fine albums, First Light is the one that connects on all levels -- and it did with the jazz-buying public as well. A masterpiece.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

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Reseña de Thom Jurek
Nunca dando por sentado el lirismo, el trompetista y compositor Freddie Hubbard entró en el estudio de Creed Taylor por tercera vez en 1971 con el propósito expreso de hacer un disco radicalmente diferente a todo lo que había grabado antes; buscaba que usara electricidad y saliera del molde del soul-jazz, pero también era más ambicioso y quería superar ese límite y a él mismo. Taylor y Hubbard formaron una banda que incluía a Herbie Hancock en Rhodes, los guitarristas Eric Gale y George Benson, el bajista Ron Carter, Jack DeJohnette en la batería, Airto Moreira en la percusión y Richard Wyands en el piano acústico para respaldarlo. La banda también fue apoyada por los arreglos de cuerdas verdaderamente etéreos y aventureros de Don Sebesky (una primicia para Hubbard). El resultado es una obra maestra de sonido texturizado, gráficos magníficamente remotos, ritmos dulces y ajustados, una sutil sensación mística y algunas de las interpretaciones más emocionantes de Hubbard. La canción principal y la ingeniosa lectura de Hubbard de "Uncle Albert/ Admiral Halsey" de Paul y Linda McCartney, así como de "Lonely Town" de Leonard Bernstein, están tan en el bolsillo que sangran el alma. La guitarra inusualmente nerviosa de Benson yuxtapuesta al tono cálido de Hubbard, y las hermosas líneas modales de Rhodes de Hancock que están empapadas de voces de acordes grandes, abiertas y menores, simplemente se vuelven más ilustres y elegantes con las cuerdas de Sebesky. Si bien Red Clay y Straight Life son buenos álbumes, First Light es el que conecta en todos los niveles y también lo hizo con el público que compra jazz. Una obra maestra.
https://www.allmusic.com/album/first-light-mw0000188197

Freddie Hubbard • The Body & The Soul

 

 

Review by Michael G. Nastos
At age 25, Freddie Hubbard made inroads into modern jazz most trumpeters could not imagine, much less come through with. As a soloist, one of Hubbard's crowning achievements in his early period was this recording on which he teamed with Wayne Shorter, marginally as a performer but prominent in the role of arranger/conductor for his first time ever. Utilizing a septet, 16-piece big band, and orchestra plus stings to play concise, tight tunes, Shorter provides the backdrop to employ Hubbard's bold toned trumpet and all of its devices in a full display of his powerful melodic talents. Yeoman Reggie Workman plays bass on all selections, with drummer Louis Hayes in the seven-piece combo, and great work from Philly Joe Jones in the larger bands. Interestingly enough, the three tracks with the smaller ensemble are the most interesting, due to the presence of Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton, and Shorter on the front line. "Clarence's Place" is a post-bop jewel with spiky brass accents and Dolphy's ribald and outre alto sax solo contrasting Shorter's relatively reserved tenor, "Dedicated to You" is a wisp of a tune, while "Body & Soul," an atypical choice for the opening selection, is a straight read of the classic ballad with a chart that sounds larger than the small horn section, and a wavering flute via Dolphy. The big band does an unusual soul-jazz treatment of the Brazilian number "Manha de Carnaval" flavored by Robert Northern's French horn, while "Aries" is a hard bop show stopper with two-note accents buoying Hubbard's great lyrical lines, and goes further into hard bop with "Thermo" as the horns demand attention with the trumpeter as an afterthought. The string section, ten pieces strong, joins the big band on the film noir type Duke Ellington piece "Chocolate Shake," the stock "I Got It Bad," and "Skylark," with its soft clarion intro bubbling underneath with the violins, violas, and cellos. The manner in which this recording is programmed is thoughtful in that it lends to the diversity of the project, but is seamless from track to track. Dan Morgenstern's hefty liner notes also explain the concept behind this ambitious project, one which did not compare to any of Hubbard's other recordings in his career. Therefore it stands alone as one of the most unique productions in his substantive discography, and a quite credible initial go-round for Shorter as an orchestrator.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

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Reseña de Michael G. Nastos
A la edad de 25 años, Freddie Hubbard hizo incursiones en el jazz moderno que la mayoría de los trompetistas no podían imaginar, y mucho menos llegar. Como solista, uno de los logros más importantes de Hubbard en su primera etapa fue esta grabación en la que se asoció con Wayne Shorter, marginalmente como intérprete pero prominente en el papel de arreglista/director de orquesta por primera vez. Utilizando un septeto, una big band de 16 piezas y una orquesta más stings para tocar melodías concisas y ajustadas, Shorter proporciona el telón de fondo para emplear la audaz trompeta de Hubbard y todos sus dispositivos en un despliegue completo de sus poderosos talentos melódicos. El músico Reggie Workman toca el bajo en todas las selecciones, con el baterista Louis Hayes en el combo de siete piezas, y un gran trabajo de Philly Joe Jones en las bandas más grandes. Curiosamente, los tres temas con el conjunto más pequeño son los más interesantes, debido a la presencia de Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton y Shorter en primera línea. "Clarence's Place" es una joya post-bop con acentos de metal puntiagudos y el solo de saxo alto de Dolphy, mordaz y extravagante, que contrasta con el tenor relativamente reservado de Shorter, "Dedicated to You" es una melodía muy ligera, mientras que "Body & Soul", una elección atípica para la selección de apertura, es una lectura directa de la balada clásica con un gráfico que suena más grande que la pequeña sección de vientos, y una flauta vacilante a través de Dolphy. La big band hace un tratamiento inusual de soul-jazz del número brasileño "Manha de Carnaval" con el sabor de la trompa de Robert Northern, mientras que "Aries" es un espectáculo de hard bop con acentos de dos notas que animan las grandes líneas líricas de Hubbard, y va más allá en el hard bop con "Thermo", ya que las trompas exigen atención con el trompetista como una idea de último momento. La sección de cuerdas, compuesta por diez piezas, se une a la big band en la pieza de Duke Ellington de tipo cine negro "Chocolate Shake", en la clásica "I Got It Bad" y en "Skylark", con su suave introducción de clarín burbujeando por debajo con los violines, las violas y los chelos. La forma en que se ha programado esta grabación está bien pensada, ya que contribuye a la diversidad del proyecto, pero es perfecta de una pista a otra. Las abundantes notas de Dan Morgenstern también explican el concepto que hay detrás de este ambicioso proyecto, que no se compara con ninguna de las otras grabaciones de Hubbard en su carrera. Por lo tanto, se trata de una de las producciones más singulares de su extensa discografía, y de una primera vuelta de tuerca bastante creíble para Shorter como orquestador.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

Herbie Hancock • Empyrean Isles

  

Review by Stephen Thomas Erlewine
My Point of View and Inventions and Dimensions found Herbie Hancock exploring the fringes of hard bop, working with a big band and a Latin-flavored percussion section, respectively. On Empyrean Isles, he returns to hard bop, but the results are anything but conventional. Working with cornetist Freddie Hubbard, bassist Ron Carter, and drummer Tony Williams -- a trio just as young and adventurous as he was -- Hancock pushes at the borders of hard bop, finding a brilliantly evocative balance between traditional bop, soul-injected grooves, and experimental, post-modal jazz. Hancock's four original concepts are loosely based on the myths of the Empyrean Isles, and they are designed to push the limits of the band and of hard bop. Even "Cantaloupe Island," well-known for its funky piano riff, takes chances and doesn't just ride the groove. "The Egg," with its minimal melody and extended solo improvisations, is the riskiest number on the record, but it works because each musician spins inventive, challenging solos that defy convention. In comparison, "One Finger Snap" and "Oliloqui Valley" adhere to hard bop conventions, but each song finds the quartet vigorously searching for new sonic territory with convincing fire. That passion informs all of Empyrean Isles, a record that officially established Hancock as a major artist in his own right.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
My Point of View e Inventions and Dimensions encontraron a Herbie Hancock explorando los márgenes del hard bop, trabajando con una big band y una sección de percusión con sabor latino, respectivamente. En Empyrean Isles, vuelve al hard bop, pero los resultados son todo menos convencionales. Trabajando con el cornetista Freddie Hubbard, el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams -un trío tan joven y aventurero como él- Hancock empuja las fronteras del hard bop, encontrando un equilibrio brillantemente evocador entre el bop tradicional, los grooves inyectados de alma y el jazz experimental y post-modal. Los cuatro conceptos originales de Hancock se basan libremente en los mitos de las Islas Empíricas, y están diseñados para superar los límites de la banda y del hard bop. Incluso "Cantaloupe Island", conocida por su funky riff de piano, se arriesga y no se limita a seguir el ritmo. "The Egg", con su melodía mínima y sus extensas improvisaciones en solitario, es el número más arriesgado del disco, pero funciona porque cada músico hace solos inventivos y desafiantes que desafían las convenciones. En comparación, "One Finger Snap" y "Oliloqui Valley" se adhieren a las convenciones del hard bop, pero en cada canción el cuarteto busca vigorosamente nuevos territorios sonoros con un fuego convincente. Esa pasión es la base de Empyrean Isles, un disco que ha consolidado oficialmente a Hancock como un artista importante por derecho propio.

 

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Freddie Hubbard • Blue Spirits

 

Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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VA • 100 Hard Bop Classics

Art Blakey, Stan Getz, Clifford Brown, Tina Brooks, Joe Henderson, Donald Byrd, Grant Green, J.J. Johnson, Horace Silver, Thelonious Monk, Dr. Lonnie Smith, Freddie Hubbard, Sarah Vaughan, Dexter Gordon, Lee Morgan, Clifford Brown, Jackie McLean, Sonny Clark, Cannonball Adderley, Stanley Turrentine, Kenny Dorham, Sonny Rollins, Hank Mobley, Paul Chambers, Dizzy Reece ...

 

 

Paul Chambers • Go

The first of two Vee Jay label dates by the acclaimed modern jazz bassist Paul Chambers is a fine exercise in hard bop, split between showcasing his compositions and famous standards. Alto saxophonist Cannonball Adderley and trumpeter Freddie Hubbard are on the front line, perhaps for the only time in their storied careers, and work well for the most part. Pianist Wynton Kelly and either drummers Philly Joe Jones or Jimmy Cobb complete the quintets. The advantage in buying this reissue is that the second CD is comprised exclusively of outtakes from the originally issued tracks, and many of them have extended solos. Of the covers, "There Is No Greater Love" features a chuckling and cajoling Adderley, very happy for the fortune smiling on him, while "Just Friends" has the two horns playing this chestnut pretty much straight, with counterpointed stop-start techniques chirping at the rhythm section, and a young Hubbard offering his best solo. "I Got Rhythm" brings Cobb to the team, as a modal base from Kelly and Chambers buoys the wailing horns. Of the originals, Hubbard and Adderley sound mismatched on the 6/8 to 3/4 calypso-swing "Julie Ann," where their harmonics don't quite synch up. Their teamwork pays off royally during "I Heard That" and the classic hard bopper with Cobb "Ease It," where the tempo persists, but the horns grow quieter and quieter in mezzo piano range to near nothingness -- the epitome of cool. There's another classic here, as "Awful Mean" is emotionally neither, but instead cures Adderley's brief once-through melody statement into a vintage shuffle. The alternate take of this one is two-and-a-half minutes longer. "I Heard That" is called a "remake" though the original is just fine, and the second "remake" of the ballad "Dear Ann" (one of three attempts included) extends Chambers on his arco bowed bass melody, both pieces adding a ramped uptempo. This recording and 1st Bassman offer different aspects of Chambers as a leader, with the latter album having him take on more responsibility as a lead melodicist. After having played with the game changing bands of Miles Davis and John Coltrane, Chambers died far too young ten years hence in January of 1969, but left behind a memorable 15-year legacy, well represented by this recording where he was in his early prime.

Biography

One of the top bassists of 1955-1965, Paul Chambers was among the first in jazz to take creative bowed solos (other than Slam Stewart, who hummed along with his bowing). He grew up in Detroit, where he was part of the fertile local jazz scene. After touring with Paul Quinichette, Chambers went to New York, where he played with the J.J. Johnson-Kai Winding quintet and George Wallington. He spent the bulk of his prime years (1955-1963) as a member of the Miles Davis Quintet, participating in virtually all of Davis' classic recordings of the era. When he left, "Mr. P.C." (as John Coltrane called him in one of his originals) worked with the Wynton Kelly Trio (1963-1966) and freelanced until his death. Chambers, a consistently inspired accompanist who was an excellent soloist, made many recordings during his brief period, including some with Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, and Freddie Hubbard, in addition to a few as a leader.

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La primera de las dos fechas del sello Vee Jay del aclamado bajista de jazz moderno Paul Chambers es un fino ejercicio de hard bop, dividido entre mostrar sus composiciones y famosos standards. El saxofonista alto Cannonball Adderley y el trompetista Freddie Hubbard están en la primera línea, quizás por única vez en sus historiadas carreras, y trabajan bien en su mayor parte. El pianista Wynton Kelly y los bateristas Philly Joe Jones o Jimmy Cobb completan los quintetos. La ventaja de comprar esta reedición es que el segundo CD está compuesto exclusivamente por tomas de los temas originales, y muchos de ellos tienen solos extendidos. De las portadas, "There Is No Greater Love" presenta a un Adderley riendo y engatusando, muy feliz por la fortuna que le sonríe, mientras que "Just Friends" tiene a los dos cuernos tocando esta castaña bastante recta, con técnicas de stop-start contrapuestas chirriando en la sección rítmica, y un joven Hubbard ofreciendo su mejor solo. "I Got Rhythm" trae a Cobb al equipo, como base modal de las boyas de Kelly y Chambers de las trompas de llanto. De los originales, Hubbard y Adderley suenan mal en el calypso-swing de 6/8 a 3/4 "Julie Ann", donde sus armónicos no se sincronizan del todo. Su trabajo en equipo da sus frutos durante "I Heard That" y el clásico hard bopper con Cobb "Ease It", donde el tempo persiste, pero las trompas se vuelven más y más silenciosas en el rango del piano de mezzo hasta casi la nada - el epítome de lo genial. Hay otro clásico aquí, ya que "Awful Mean" no es emocionalmente ninguna de las dos cosas, pero en cambio cura la breve declaración de la melodía de Adderley de una sola vez en una barajadura vintage. La toma alternativa de esta es de dos minutos y medio más larga. "I Heard That" se llama un "remake" aunque el original está muy bien, y el segundo "remake" de la balada "Dear Ann" (uno de tres intentos incluidos) extiende Chambers en su melodía de bajo con arco, ambas piezas añadiendo un uptempo rampante. Esta grabación y 1st Bassman ofrecen diferentes aspectos de Chambers como líder, con este último álbum que le hace asumir más responsabilidad como melodista principal. Después de haber tocado con las bandas de cambio de juego de Miles Davis y John Coltrane, Chambers murió demasiado joven diez años después, en enero de 1969, pero dejó un memorable legado de 15 años, bien representado por esta grabación en la que estuvo en su mejor momento.

Biografía

Uno de los mejores bajistas de 1955-1965, Paul Chambers fue uno de los primeros en el jazz en hacer creativos solos de arco (aparte de Slam Stewart, que tarareaba junto con su arco). Creció en Detroit, donde formó parte de la fértil escena de jazz local. Después de ir de gira con Paul Quinichette, Chambers se fue a Nueva York, donde tocó con el quinteto de J.J. Johnson-Kai Winding y George Wallington. Pasó la mayor parte de sus mejores años (1955-1963) como miembro del Quinteto de Miles Davis, participando en prácticamente todas las grabaciones clásicas de Davis de la época. Cuando se fue, "Mr. P.C." (como lo llamó John Coltrane en uno de sus originales) trabajó con el Wynton Kelly Trio (1963-1966) y trabajó como freelance hasta su muerte. Chambers, un acompañante constantemente inspirado que fue un excelente solista, hizo muchas grabaciones durante su breve período, incluyendo algunas con Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, y Freddie Hubbard, además de algunas como líder.